Blogia

=;) G a B r I e L a

Autoretrato

Autoretrato

Auto retrato

Soy una persona con un espectativa de forma de como me a hido en la vida me conporto, de que soy un reflejo de mi cabeza.

Mi pelo es el principal motor de mi vida de forma de que el me representa y por ello saben quien soy mis diferentes tipos de humor van con el.

En mi va con la fotografia mis recuerdo y lo que yo e vivdo y lo que siempre recordare en mi vida y que jamas podre olvidar por que fueron momentos que me marcaron y me describen como persona de lo que soy ahora.

Mis ojos son mi virada al mundo y reconocen todo lo que e llevado y tengo por vivir de ello llevan a como mi futuro dara mas adelante.

los objetos que estan en mi pelo son acontecimientos que son parte de mi vida cotidiana y mi reflejo de como soy ahora.

-El rosario es la religion ante la sociedad, el pulso el vigor de mis fuerzas, las fotografias la vida de mis hermanos y mi vida con ellos. esas son historias que desencadenan con el pasos del tiempo.

mis oidos son el oir del mañana y el chino de mi pelo son los lasos que debo enfrentar en mi futuro.

¿Y esta publicidad? Puedes eliminarla si quieres

Fotografía con luz infraRroja y ultravioleta

Fotografía con luz infraRroja y ultravioleta

FOTOGRAFIA CON LUZ INFRARROJA Y ULTRAVIOLETA

TECNICA

La fotografía infrarroja requiere de una fuente de radiación infrarroja. Todo cuerpo caliente emite radiación en la gama del infrarrojo.

El equipo fotográfico que se necesita, puede ser una cámara reflex convencional, acompañada de filtros y película sensible a esta longitud de onda.

LOS FILTROS

Los filtros infrarrojos tienen como misión excluir la radiación ultravioleta y la totalidad o gran parte del espectro visible, dejando pasar a través del objetivo de la cámara solamente el espectro infrarrojo. Sin un filtro de infrarrojo, la película absorbería todo el espectro dejando el negativo inservible.

En el mercado se pueden encontrar diferentes tipos de filtros infrarrojo, según las necesidades. Básicamente, difieren, en la cantidad de espectro infrarrojo que dejan pasar. A mayor cantidad de espectro infrarrojo, el efecto en la película se acentuará. De las marcas más populares que comercializan estos filtros, se destacan Hoya, Tiffen y Kodak.

PELICULA INFRAROJA

A diferencia de las películas convencionales que hay en cualquier establecimiento, las infrarrojas están sensibilizadas para trabajar en las longitudes de onda comprendidas entre los 700 y los 1.200 nanómetros. Estas películas están tratadas especialmente para que reaccionen químicamente en estas ondas. Entre las películas infrarrojas más conocidas hay que destacar las películas kodak infrared, y las Ilford sfx 200. Entre ellas, hay algunas que dan como resultado un falso color, y otras unos extraños tonos en blanco y negro.

EL USO DE LA FOTOGRAFIA INFRAROJA

El inicio de la fotografía infrarroja, se remonta, a la creación de un sistema militar para detectar camuflajes. Hoy en día la aplicación de la fotografía infrarroja se ha extendido en muy diversas áreas como la científica o la artística.

FOTGRAFIA CIENTIFICA

Su uso más extendido es entre los astrónomos. Casi un 90% de la materia que compone el universo, no puede apreciarse en el espectro lumínico que captan nuestros ojos. Muchas zonas del espacio, no irradian este tipo de ondas. También es posible encontrar zonas como grandes regiones de polvo cósmico que solo dejan pasar la radiación infrarroja. Gracias a telescopios como el IRTS, se pueden conocer zonas del universo, que de otra manera hubiera sido imposible.

También se utiliza la fotografía infrarroja en medicina, como medio de diagnosis de ciertos tipo de cáncer, detectando en la piel temperaturas anormales.

FOTOGRAFIA ARTISTICA

Debido a la peculiaridad de las tonalidades pictóricas que se consiguen con las fotografías infrarrojas, muchos artistas como Lindsay Garret, Seth Mayer, Donald AAby y el prestigioso Simon Marsden, han conseguido crear mundos fantasmagóricos en algunos casos o surrealistas en otros.

 

Calotipo

Calotipo

CALOTIPO

El calotipo es un método fotográfico, creado por William Fox Talbot, basado en un papel sensibilizado con nitrato de plata y ácido gálico que tras ser expuesto a la luz era posteriormente revelado con ambas sustancias químicas y fijado con hiposulfito. Este procedimiento resulta ser muy cercano al de la fotografía de hoy en día, ya que producía una imagen en negativo que podía ser posteriormente positivada tantas veces como se deseara. Para ello se baña el papel negativo en cera derretida para que se vuelva transparente y así, tras someterlo a un foco de luz o por contacto sobre otro papel idéntico, se obtiene una imagen en positivo.

El procedimiento fue patentado en el año 1841 en Inglaterra lo cual limitó sensiblemente su internacionalización, a diferencia de otros procedimientos.

Es conocido también con el nombre de Talbotipo

Heliografia

Heliografia

Heliografia

La heliografía es un procedimiento fotográfico creado por Joseph-Nicéphore Niépce, quien distinguía entre las imágenes que habiendo sido obtenidas con este método suponían reproducciones de grabados ya existentes, llamadas «heliograbados», y las imágenes captadas directamente del natural por la cámara, a las que llamaba «puntos de vista».

El procedimiento suponía la utilización de la cámara oscura y el empleo de diferentes materiales como soporte sensibilizado, entre ellos el papel, el cristal o diversos metales como el estaño, el cobre, el peltre, entre otros. Para la obtención de las imágenes se precisaba un tiempo de exposición de la placa a la luz durante ocho horas.

Según el contrato de asociación suscrito con Daguerre, el día 14 de diciembre de 1829, para el desarrollo y comercialización del invento, el método se encontraba compuesto de los siguientes pasos: «en una piedra, un papel o una placa de metal —de cobre plateado, por ejemplo— se extendía un barniz realizado con betún de Judea disuelto en aceite esencial de lavanda, posteriormente se exponía la placa a la luz en la cámara oscura, para pasar después a bañar la misma en un disolvente compuesto de aceite de lavanda y de aceite de petróleo blanco y, posteriormente, lavarlo con agua templada, pudiéndose entonces apreciar la imagen obtenida».

Este método no resolvió del todo la cuestión de la fijación de las imágenes, motivo por el cual se acababan perdiendo.

Frases...

Frases-... del mapa concetual con mi vida.

  • Cuando leo una carta de mi amor me deja una consiencia historica
  • Cuando te veo me deja un metacodigo
  • Tu manera de ver me idolatria
  • Tu sonrisa me re-proyecta
  • La tarea me textolatria

 

 

DAGUERROTIPO

DAGUERROTIPO

DAGUERROTIPO

El daguerrotipo, construido por Louis Daguerre en 1839, es un invento precursor de la fotografía moderna. Fue además un puente entre la cámara negra creada por Johann Zahn y retocada por Joseph-Nicéphore Niépce, y la cámara de objetivo del alemán Joseph Petzval, también conocido como Jozef Maximilián Petzval. Las publicaciones del momento dieron a conocer el nuevo aparato a la sociedad, pero supuso sobre todo una revolución en el mundo de la información ya que permitió cubrir el seguimiento de la Guerra de Crimea y de la Guerra de Secesión estadounidense.

Para la obtención de la imagen se parte de una capa sensible de nitrato de plata extendida sobre una base de cobre. A partir de una exposición en la cámara, el positivo se plasma en el mercurio. Finalmente, la imagen se fija tras sumergir la placa en una solución de cloruro sódico o tiosulfato sódico diluido.

A finales del año 1840 se habían conseguido tres progresos técnicos en el daguerrotipo. En primer lugar, se consiguió una lente hasta 22 veces más brillante. Además, se aumentó la sensibilidad de las placas ante la luz al ser recubiertas por sustancias halógenas (aceleradores o sustancias rápidas), con lo que el tiempo de exposición se redujo. Finalmente, las placas se doraron para enriquecer los tonos.

Caja Magica

Caja Magica

 

Caja magica

-Karton

-Resina de baltur

-Un cristal iridiscente de androstian

-Arcilla naranja de livandria

-Polvos de taltor

-Cualquier superficie refulgente y ademas....

-Un cuerno de unicornio

Carlos Jurado---> considera la fotografía como el producto de un acto mágico. Trabaja principalmente con cámaras estenopeicas (pinhole). Con este sistema trata de obtener anbientes y atmósferas sugerentes poco comunes.
a realizado también obras utilizando sistemas antiguos como la goma bicromatada, la cianotipia, papel sepia ,etc. Carlos Jurado construye sus propias cámaras, así como algunos equipos necesarios para su producción.

Biografía de Carlos jurado:

Nace en 1927 en el estado de Chiapas. En 1944 inicia estudios de pintura en la escuela de Bellas Artes con maestros destacados como Antonio Ruiz "El corzo" y Maria Izquierdo.En 1951 trabaja en zona indígenas del país, produciendo materiales para la enseñanza.
En el transcurso de los años ha desempeñado diversas actividades tanto en la producción artística como académicas.En 1973 inicia se actividad fotográfica y ocupa cargos de dirección en la Universidad Veracruzana , donde establece, por primera vez en México la carrera de Fotografía a nivel de Licenciatura..Actualmente trabaja de manera independiente en su taller.

Nota--->Me parece una gran persona con su desarrollo como fotografo y recuerdo como en clase se platico de la caja magica y de modo de como las fotos son utilizadas para la brujeria es un tema que desperto y como pensar que personas usen las imagens para hacerte daño y tambien como el recuerdo de que te guste alguien y lo traigas contigo ... pense y vi mi cartera y vi que mi familia es lo que mas em importa porque siempre traigo su imagen conmigo.

La Importancia de la Fotografia

La Importancia de la fotografia

  • Representa la historia del hombre ante el mundo
  • Nos ayuda a conocer el mundo distante.
  • Es el resguardado de la expericencia vivida
  • El mundo se convierte en portatil e ilustrado
  • Poderoso vehiculo de comunicaciòn
  • Potencialmente informado.

Lengua fueraTema visto en clase

Nota----->Como es que con un solo aparato llegamos a tener tantas facilidades y desde años atras es algo muy importante por que asi las cosas son resguardadas y asi la visualizacion de las personas es uno de loos primeros intereses y de modo tal si haces una nota y la imagen dice mas que mil palabras.

Es como trasladar algo que paso y ponerlo en un  cuadro.

¿Què es la fotografia?

¿Què es la fotografia?

  • Representa
  • Poderoso medio de comunicacion
  • Mètodo de conocimiento
  • Superficie significativa
  • Biomensional
  • Abstraccion
  • verosimil
  • Memoria
  • Arte
  • Documento
  • Superficie màgica
  • Instrumento de control politico, religioso, social
  • Interpretacion del mundo

Ver imagen en tamaño completo.

NOTA--->Guiño son de temas que se vieron en clase de lo cual platicamos que es fotografia y que se lograba llegar con ello.

por lo que la fotografia logra que traigas el mundo en tus manos. ayuda a recordar y a diferentes aspectos que se mencionan.

 

HENRY CARTIER BRESSON

HENRY CARTIER BRESSON

Henry Cartier Bresson

Nacido en el año 1908 en Chanteloup, en Francia, no fue sino hasta cumplir los 23 años cuando empezó con la fotografía. Una Kodak Box Brownie fue su primera cámara fotográfica, y fue un año después cuando adquirió la que le hizo famoso: una Leica.

Empezó con la fotografía deportiva, que le encantaba, pero pronto se dedicó al fotorreportaje, y así, junto al también famosísimo Robert Capa, fundó la agencia Magnum Photos.

Tuvo el honor de ser el primer fotógrafo que vio expuesta su obra en el Museo del Louvre, en París.

Y es que fue un artista en el arte de saber captar el instante preciso. El “momento decisivo” como él lo llamaba. Nunca recortó los negativos, siempre los utilizaba completos y viajó por todo el mundo para hacer muchas de sus maravillosas fotografías.

En el año 1974 se dedicó a la pintura, y junto a su mujer creó la Fundación Henri Cartier Bresson en la que recopiló la obra de toda su vida.

Henri Cartier Bresson murió el 4 de agosto de 2004 a los 95 años.

ROBERT CAPA

ROBERT  CAPA

Robert Capa

Según cuenta Richard Whelan, biógrafo de Capa, en el libro Capa: cara a cara. Fotografías de Robert Capa sobre la Guerra Civil española, la polémica nace en los años setenta a partir de una serie de declaraciones contradictorias del periodista británico O’Down Gallagher. Según este hombre, él y Capa compartían habitación en un hotel en la frontera entre España y Francia en la fecha de las imágenes de Cerro Muriano. Gallagher le contó a un escritor que Capa y otros fotógrafos se quejaban de la inactividad del frente (que sitúa próximo a San Sebastián), así que un oficial franquista les dijo que un destacamento haría maniobras en la zona de las trincheras para que pudieran hacer fotografías. Pero ni los hombres de Cerro Muriano pertenecían al bando sublevado ni Capa tuvo contacto con las tropas de Franco (era judío y de izquierdas).


En los archivos sólo figura una baja del destacamento alcoyano situado en Cerro Muriano aquel 5 de septiembre de 1936: Federico Borrell García, el miliciano de Capa. La identidad fue, además, confirmada por su hermano, quien también estuvo en el frente de Córdoba aunque no presenció la muerte de Federico. Si os fijáis en la siguiente fotografía, aparecen los dos milicianos de las polémicas imágenes (Borrell es el primero por la izquierda, y el tercero es el otro miliciano).

Quienes dudan de la autenticidad de la fotografía aducen que no hubo movimiento aquel día en Cerro Muriano, que la fotografía del miliciano está demasiado bien hecha como para que fuese realizada de manera espontánea durante un combate, y que hay dos imágenes de dos hombres distintos tomadas en el mismo sitio y a la misma hora (según las sombras y las nubes).

Para empezar, yo dudo que alguien, en plena guerra y en un tiempo lleno de supersticiones, se atreviera a fingir su propia muerte para que un tipo lo fotografiara. Y lo de que haya dos fotografías del mismo sitio con cuerpos distintos, Richard Whelan explica que el primero en ser disparado fue Borrell y que cayó al suelo unos metros más adelante, fuera del campo visual de Capa, mientras que el otro joven se derrumbó frente al fotógrafo. Por otro lado, los registros de bajas recogen el fallecimiento de Borrell el 5 de septiembre de 1936 en Cerro Muriano.
Yo prefiero pensar que la fotografía es real y no producto de un montaje. Para terminar este texto me quedo con lo dicho por Robert Capa en 1937 sobre la autenticidad de la «Muerte de un miliciano»: «No hace falta servirse de trucos para sacar fotos en España. No hay que colocar la cámara (es decir, no hay que colocar a los objetos). Las fotos están ahí, y basta con sacarlas. La verdad es la mejor imagen, la mejor propaganda».

¿Y esta publicidad? Puedes eliminarla si quieres

CINDY SHERMAN

CINDY SHERMAN

La mujer y la fotografia

      Cindy sherman      

La figura y la obra de Cindy Sherman ( Glen Ridg, Nueva Jersey, USA 1954), uno de los iconos femeninos del arte contemporáneo, centra hoy la reanudación del ciclo de conferencias del Museo de Bellas Artes del Ayuntamiento Santander. La pinacoteca continúa así su actividad ya habitual con su ya consolidada propuesta ’Artistas de los siglos XX y XXI’.

En esta ocasión la conferencia dedicada a Cindy Sherman será impartida por Patricia Sánchez, encuentro que tendrá lugar en la pinacoteca santanderina hoy, lunes, a las 19:30. ’Las 1000 caras de Cindy Sherman: Visiones posmodernas de la subjetividad’ es el epígrafe de la radiografía sobre la artista, un perfil en el que Patricia Sánchez pretende trasmitir la enorme importancia que ha tenido esta artista, plástica y visual, en el panorama cultural de finales del siglo XX y principios del XXI y la numerosa estela de artistas en los y las que, aún hoy en día, podemos ver su influencia. Cindy Sherman, a través de sus series fotográficas, propone una «nueva forma de mirar que se ha denominado ’crítica de la representación’ y que es fruto, en gran parte, del contexto político de los Estados Unidos en las últimas décadas». En su obra se pueden analizar cuestiones relacionadas «con el rol y la representación de la mujer en la sociedad, con la influencia de los medios de comunicación en nuestra vida, y otras que abordan la naturaleza de la obra de arte y del propio papel del artista contemporáneo». La obra de la fotógrafa norteamericana suele servir de acicate para reflexionar sobre múltiples polémicas relacionadas con la teoría ’queer’, la crítica feminista, la teoría del simulacro, la crítica a la modernidad, el apropiacionismo o la teoría de lo traumático.

Gran parte de su discurso artístico, plagado de disfraces, vísceras, cicatrices, maniquíes o desmembramientos, supone «una vuelta a un arte transgresor que nos posiciona como espectadores atrapados en el propio marco de sus performances fotográficos».

Patricia Sánchez, licenciada en Historia del Arte, máster en Gestión del Patrimonio Cultural, cuenta con una larga trayectoria como gestora cultural en la Consejería de Empleo y Bienestar Social, o en La Fábrica. Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales ’Photo España’. o como profesional de actividades culturales. Ha sido ponente en el ciclo de Espacio C y en convocatorias y cursos de la Universidad de Cantabria. Redactora en Jovenmanía.; colaboradora en Magaezine.es/ EZINE -web de pensamiento y de la Revista ’TRASDÓS’ del Museo; ha participado en el catálogo ’Monumentos Religiosos de Cantabria’, y en diversas publicaciones.

                           

 

ANDRES SERRANO

ANDRES SERRANO

Andres Serrano

 

En 1989 Andres Serrano se hizo internacionalmente conocido cuando el senador de los Estados Unidos, Jesse Helms, atrajo la atención hacia su trabajo. Helms se violentó porque dinero del gobierno federal se había utilizado para costear una exhibición de Serrano titulada "Orina-Cristo:" la fotografía de un crucifijo sumergido en la orina de Serrano. Su trabajo posterior ha incluido fotografías que describen la trajectoria de la esperma en una ejaculación, gente sin casa, y el Ku Klux Klan.

Las fotografías recientes de Serrano, de cadáveres, crean interrogantes acerca de la muerte y el arte, arte y provocación. De primera impresión, estas reproducciones enormes hacen a uno preguntarse, cómo y cuándo y porqué Serrano hizo estas imágenes.

Es una costumbre en Serrano investigar el tema con una sucesión de imágenes que estan temáticamente relacionadas. Serrano insiste en examinar temas controversiales y poco agradables incluyendo representaciones religiosas, inhibiciones hacia los fluídos del cuerpo, racismo, el Ku Klux Klan y la injusticia con las personas sin casa.

Para Serrano "no hay limitaciones morales cuando se trata de arte, con la excepción de aquellas que el artista decide seguir con su conciencia." Algunos críticos neoyorquinos lo han acusado de tener valores dobles, queriendo impresionar y gustar a la misma vez.

Serrano evita ser moralmente instructivo, pero sutil y enérgicamente invoca asociaciones sicológicas acerca de la humanidad y su temporalidad.

 

 

JULIA MARGARET CAMERON

JULIA MARGARET CAMERON

Julia Margaret Cameron

Considerada una gran excéntrica de la fotografía. Nació en Ceylan el 11 de Junio de 1815 en Calcuta (India), en el seno de una familia de diez hermanos. Hija de escocés y francesa pertenecientes a la sociedad bengalí fue educada en Francia hasta los 19 años, donde regresó de nuevo a la India.

A los 21 años conoció a Sir. John. Herschel quien más tarde implantó los términos (positivo - negativo y fotografía), y autor del descubrimiento de las propiedades del tío sulfito como fijador. Siendo Sir. John Herschel el asesor fotográfico de Cameron.

Casada con un hombre veinte años mayor que ella, excelente jurista y plantador de té, vivió en la India hasta los treinta y tres años, depués se trasladó con toda su familia a la Isla de Wight, en Inglaterra.

Tuvo seis hijos y otros adoptados, por este motivo vivía en un gran caserón, que siempre se encontraba lleno de poetas, artistas y científicos de la época victoriana.

Cuando contaba ya con cuarenta y ocho años, y a causa de un viaje de su marido, su hermana la regaló una cámara para paliar la soledad por la ausencia de su marido.

Este hecho tuvo un fuerte impacto en Julia que la hizo dedicarse plenamente a la fotografía.
Transformó y adaptó una carbonera de la casa en un improvisado laboratorio y un cuarto de niños en su estudio, y se dedicó a realizar fotografías, retratos en su inmensa mayoría, de sus familiares, amigos, criados,... obligándoles en muchas ocasiones a posar largos períodos de tiempo debido a las investigaciones que llevaba a cabo con la luz y las placas.

Tuvo una gran inspiración en pintores románticos de la época para realizar sus alegorías, muchas de ellas de ámbito religioso, que causaron gran admiración en sus convecinos, recibiendo grandes felicitaciones por sus interpretaciones.

Henry uno de sus tres hijos abrió un estudio fotográfico en Londres. En 1863 su hija le regaló su primera cámara fotográfica construida en madera con un objetivo de la marca Jamin y equipo de revelado, gracias a la asistencia de John Herschel en pocos meses domino el proceso al colodión.

Margaret Cameron, falleció en 1879.

MISHA GORDIN

MISHA GORDIN

Misha Gordin

Nace en Rusia en 1946. En 1974 tras años de descontentos con las autoridades comunistas, deja Rusia para irse a Estados Unidos. Misha Gordin basa su trabajo fotográfico en el concepto, su obra es básicamente una obra conceptual que requiere un laborioso proceso desde la imagen inicial a la imagen final. Se parte de una idea, a continuación, un dibujo, montaje de los componentes, los disparos y el estudio de los materiales, seguida por la meticulosa labor cuarto del oscuro. Es por lo tanto un trabajo artesanal que le llega a ocupar horas, días e incluso semanas con algunas de sus obras. El mismo nos lo cuenta:

Todas mis imágenes son ensambladas en un cuarto oscuro tradicional en virtud de una extensión usando una técnica de enmascaramiento desarrollado y perfeccionado en los últimos años.  Esta técnica tiene por supuesto sus limitaciones y me dirijo a ellas cuando se trabaja en ideas.  Además, antes de imprimir el original, hago pruebas y ajustes para cada negativo que se va a imprimir.  Yo escribo las tablas donde me indique la correcta exposición y todas las secuencias de manipulaciones para cada negativos utilizados.  Luego viene la etapa de “secado” de impresión. Esta parte es la más implacable. Proyecto meticulosamente un negativo tras otro, cambiando constantemente preciso máscaras hasta el último negativo que utilizo. Es como regresar con seguridad a casa después de un largo, largo viaje en coche. Esta parte tiene que ver con la disciplina y tiene muy poco que ver con el arte. Después viene el momento de la “sentencia” cuando la primera impresión surge del desarrollador.  Miro por posibles errores de la imagen en sí misma y siento una gran sensación de alivio cuando logro que la impresión sea “impecable”. Lamentablemente la técnica que yo estoy usando no tiene margen para errores. Se requiere una completa concentración y puede ser muy agotador física y mentalmente.

En todos estos años creando imágenes conceptuales, he intentado hacerlas lo más realistas posibles. Mis habilidades técnicas han mejorado, permitiéndome ensanchar horizontes para mis ideas. Pero esta no es la parte más importante del proceso. Un concepto pobre, aunque perfectamente ejecutado, crea una fotografía pobre. Por eso, el ingrediente más importante de una imagen poderosa es el concepto. Talento para crear un concepto y habilidad para desarrollarlo, esta es la combinación para una fotografía conceptual contundente. Crear una idea y convertirla a la realidad es el proceso esencial de la fotografía conceptual.

No es nueva la idea de manipular imágenes fotográficas. De hecho, en cierto grado, toda imagen se manipula. El verdadero poder de la fotografía surge cuando la realidad alterada se presenta como existente, y se da por supuesta. Una imagen evidentemente manipulada acaba siendo engaño que muestra la carencia de comprensión del particular poder que posee la fotografía: grabar fehacientemente en nuestro subconsciente que lo capturado por la cámara ha existido. En el mejor ejemplo de la imagen exitosamente manipulada, nunca surgiría la pregunta “¿Es esto real?”

 

EUGENE SMITH

EUGENE SMITH

Eugene Smith

Eugene Smith está considerado como uno de los padres del reportaje fotográfico.
Su actividad durante cuarenta años, desde los años 40 hasta los 70 del siglo pasado, han hecho de él un referente para aquéllos que quieren reflejar la realidad mediante la fotografía.

¿Qué es lo que hizo W. Eugene Smith en Deleitosa?
Smith no se limitó a realizar una serie de fotografías sobre el pueblo y sus habitantes, realizó un trabajo de investigación social.
Anotó todos los nombres y edades de las personas entrevistadas, estableciendo una relación con las personas retratadas.
Realizó 1.575 fotografías de Deleitosa y para la redacción final del reportaje utiliza un informe de 24 páginas, con información general sobre España.
Es un análisis socioeconómico, que se centra fundamentalmente en la producción agrícola, los trabajadores, condiciones de trabajo, seguridad social, redistribución de la tierra, paro, analfabetismo, precios, ...

El reportaje fue publicado en Life, en una época en que las revistas gráficas estaban en pleno auge, aún no había aparecido de forma masiva la televisión.
En el reportaje se incluyeron 17 fotografías de W. Eugene Smith.
Se publicaron unos 22 millones de ejemplares entre la edición original y las reediciones.

Hoy las revistas gráficas no existen y los medios existentes no cultivan el ensayo fotográfico, aspecto con el que estamos totalmente en desacuerdo, pero son las leyes del mercado.
Pensamos que hoy en día sigue siendo necesario el análisis de una realidad tal y como W. Eugene Smith nos enseñó, y que la fotografía sigue teniendo el valor de reflejar la realidad.
Los reportajes con opinión del fotógrafo son intemporales.

El trabajo de Smith sobre Deleitosa, nos hace reflexionar, hoy en día, sobre la gran evolución que el mundo y en especial el mundo rural ha sufrido en España.
En sus imágenes de hace cincuenta años vemos una forma de vivir y de trabajar cercana a la edad media: separación del trigo de la paja apoyándose en el viento, la imagen de "ir a por agua" a la plaza del pueblo denota que no existían las infraestructuras adecuadas dentro de los hogares de los habitantes de la población, ...

Hoy cincuenta años más tarde todo eso pertenece al pasado.

¿Cómo afecta a las personas esta revolución del siglo XX?
¿Cómo puede ser que en mil años no haya evolucionado la forma de vida de los habitantes de una zona, y en cincuenta años no quede nada de aquello ?
¿Qué pasa con las tradiciones?
¿Cuáles son las motivaciones e intereses de esta nueva sociedad?

Todo esto nos sugiere las fotografías de W. Eugene Smith.
Ahí está el valor de su trabajo en nuestro país.

Todo un ejemplo para aquellos fotógrafos que quieran analizar hoy en día la situación de una comunidad.

OLIVIERO TOSCANI

OLIVIERO TOSCANI

Oliviero toscani

Gurú de la comunicación o simple provocador, Oliviero Toscani no ha decepcionado a los muchos jóvenes que han acudido a su conferencia. Con vaqueros, americana blanca y sus gafas de pasta rojas, el fotógrafo italiano ha presentado sus obras y explicado su manera de ver el mundo.

En la primera conferencia de PHotoEspaña 2005, Toscani ha presentado sus más recientes proyectos y ha recordado los años en los que trabajaba en la moda y los de las famosas campañas publicitarias de Benetton.

"La fotografía no tiene que sufrir el complejo de la pintura porque ya la ha adelantado", ha explicado.

"Una foto tiene que ser publicada: está hecha para la comunicación de masas, no para estar pegada a la pared. Su fin es describir la condición humana", aclara comentando las obras en las que ha metido "la vida y la muerte, dos conceptos que nunca han entrado en la publicidad".

El italiano ha criticado el conformismo y el conservadurismo de gran parte de los publicitarios porque "llevan a la inmovilidad". "En esta profesión hay que arriesgarse, no hay que temer que alguien nos diga que lo que hacemos no le gusta", ha añadido.

"Actualmente, los medios de comunicación son como los refrescos: sirven para aplacar la sed, pero no tienen calidad ni nutren. Tendrían que estar al servicio de la humanidad y explicar ese nuevo mundo que cambia a la velocidad de un meteoro".

Desde su punto de vista, el único fin de las campañas promocionales que se hacen hoy es satisfacer a un ’target’. "No se escucha la creatividad y el resultado es una publicidad plana, costosa e inútil".

Según Toscani, el arte es la más alta forma de comunicación y desde siempre está al servicio del poder político o económico. Recuerda que podía realizar sus obras sólo porque mientras él trabajaba, Luciano Benetton "prosperaba". "Si un artista quiere ser libre tiene que enriquecer a su patrón".

El fotógrafo italiano aconseja a quien se ocupa de la comunicación "no tener ideas". "Quien tiene una idea no es creativo, la creatividad es una condición humana continua".

En su intervención, Toscani no ha renunciado al empeño social demostrado en muchas de sus obras, como las que trataban sobre el sida, la pena de muerte y la tolerancia. "Nos olvidamos de los verdaderos problemas. Por ejemplo, vivimos en un mundo en el que el 50% de la población no tiene teléfono y el 93% no puede conectarse a Internet. Se ha creado una gran desigualdad entre los que tienen acceso a las tecnologías y los que no lo tienen".

Con esta conferencia, Toscani ha inaugurado los talleres y clases magistrales organizados en el marco de PHotoEspaña 2005. Del 20 al 24 de junio, los talleres estarán impartidos por Lewis Baltz (EEUU), Adam Broomberg & Oliver Chanarin, de Sudáfrica y Gran Bretaña, respectivamente. Además que por Donna Ferrato (EEUU), Christopher Makos (EEUU), y Alberto García-Alix (España).

Del 27 de junio al 1 de julio los protagonistas serán Larry Fink (EEUU), René Burri (Suiza), Francesco Jodice (Italia), Martin Parr (Gran Bretaña), y Massimo Vitali (Italia).

DAVID NEBRADA

DAVID NEBRADA

David Nebrada

        

 LOS AUTORRETRATOS MÁS TERRIBLES

No hay nadie que haya jamás escrito, o pintado, esculpido, modelado, construido, inventado a no ser para salir del infierno. Estas palabras de Antonin Artaud, excepcional artista enfermo de esquizofrenia, sirven ahora para presentar las imágenes más impactantes del nuevo mártir del panorama artístico internacional. Heridas, amputaciones, flagelaciones y llagas en su piel (todas ellas reales y no simples performances fingidas) dan cuenta de la relación especial que la locura puede mantener con la creación fotográfica en el caso de David Nebreda (Madrid, 1952), que confiesa que su vida es muchísimo peor a lo que muestran sus ya de por sí desgarradoras imágenes. Enfermo de esquizofrenia paranoide desde que tenia 19 años, no toma medicación y su única terapia la constituyen sus propias fotografías. Una de sus imágenes (probablemente escrita con fluidos corporales) contiene el siguiente texto a veces entrecortado con palabras en sucesión sin formar frases completas: he conocido al enemigo de dentro y de fuera. Tengo miedo de seguir utilizando mi sangre, las quemaduras, los azotes, el agotamiento, los clavos. Sólo conservar de mi patrimonio el silencio (…), movimiento, excremento, ritos…

Encerrado en su casa durante veinte años, sin mantener relación con ninguna otra persona y sufriendo ayunos severos que le han mantenido en un estado de máxima delgadez, ha torturado su cuerpo al mismo ritmo que la esquizofrenia ha martirizado su mente. Ha vivido aislado del mundo en un piso de Madrid que nadie sabe donde está. Sin conceder entrevistas, ni ver la televisión ni leer ningún periódico. Sólo algún privilegiado ha conseguido al parecer arrancarle algunas palabras al propósito de sus obras. Vive bajo la tiranía de la tortura y del dolor que él mismo se ha impuesto para enfrentarse a los fantasmas de su mente. La cámara fotográfica ha sido fiel testigo de las autotorturas que ha llevado a cabo sobre su propio cuerpo de forma tan salvaje como ritual.

Al parecer, David Nebreda, licenciado en Bellas Artes, tras este encierro voluntario en su casa durante tantos años, entregó su trabajo a una persona conocida. Finalmente, sus imágenes fueron a parar a manos del galerista Renos Xippas quien le dedicó una exposición en su local de París; donde el sociólogo Léo Scheer vio su obra y decidió hacerse editor para divulgarla. A partir de aquí, su obra ha sido motivo de numerosos debates en Francia. El propio filósofo Jean Baudrillard ha escrito un artículo sobre él. Pero, lo cierto es que su trabajo no se está divulgando al exterior como realmente merece a lo que probablemente contribuirá en cierta medida la salud delicada del artista.

Léo Scheer, por su parte, ha publicado dos libros dedicados a Nebreda, en los que recoge, además de sus fotografías, dibujos y escritos del artista, sendos artículos de especialistas de reconocida solvencia. Las fotografías de Nebreda se dividen en cuatro etapas diferentes. En primer lugar, están sus autorretratos en blanco y negro realizados entre 1983 y 1989; en un segundo bloque se incluyen los realizados entre 1989 y 1990; en tercer lugar los que llevó a cabo en 1997 y, por último, los que desarrolló en 1999. A excepción de los primeros, todos los demás son en color. La práctica totalidad de las fotografías las ha realizado en las dos únicas habitaciones que tiene en su piso. Ha trabajado con una cámara de 35 mm, dos objetivos de 55 mm macro y un angular de 28 mm. Ha utilizado un cable de seis metros para accionar el disparador automático. No ha habido manipulación en el positivado y sí ha realizado, sin embargo, dobles exposiciones con la cámara que le han permitido aparecer por duplicado en algunas imágenes. Para la realización de sus fotografías ha utilizado sus propios excrementos, orina y sangre.

Las fotografías de David Nebreda son un caso excepcional como puede verse, ya que su trabajo tiene la virtud de plantear cuestiones vitales para el arte contemporáneo que giran fundamentalmente en torno al cuerpo y al papel del artista en la sociedad en su cruce con el problema de la locura y sus relaciones con la imaginación y la creación artística. Pero, además de la imaginación, el trabajo del madrileño entra de forma brutal en el tema de lo siniestro; concretamente en dos de sus ámbitos estéticos: lo asqueroso y el dolor desde sus expresiones más masoquistas. Territorios explorados como nadie por un fotógrafo como Joel Peter Witkin pero desde una perspectiva diferente. Witkin siempre utiliza a otras personas y nunca a sí mismo y, además, emplea cadáveres para conseguir explicitar el asco desde una perspectiva de estetización de lo siniestro, mientras que David Nebreda documenta tanto el asco como el masoquismo sobre un ser vivo que es él mismo y jugando simultáneamente con la estetización y la explicitación de lo siniestro en un trabajo fronterizo pero “paradójicamente” gestado desde la radicalidad de unas experiencias contundentes del fotógrafo.

 

¿Y esta publicidad? Puedes eliminarla si quieres

JOEL PETER WITKIN

JOEL PETER WITKIN

 JOEL PETER WITKIN

La exposición de Witkin nos lleva a una reflexión sobre el tema del yo, que aparece ligado a la idea del otro que existe en cada uno de nosotros. Es decir, una asimilación e identificación de todos esos yoes que forman la identidad de cada individuo. La idea del yo como un ser múltiple, compuesto de muchas personalidades distintas, una idea que han manejado muchos poetas como Rimbaud o Pessoa, el ser plural. La espiritualidad, la iconografía cristiana, la imagen del crucificado marcan los temas de su obra, lo fantástico se mezcla con la más cruda realidad. Es ésta un reflejo catártico de sus propios traumas infantiles como él mismo ha manifestado. Los protagonistas de sus obras son seres marcados por lo grotesco, hombres y mujeres mutilados, hermafroditas, enanos, cadáveres. Ellos se convierten en auténticos modelos fotográficos perfectos. Witkin reivindica la estética de lo feo, una belleza tabú, que se esconde, que es rechazada socialmente, convierte al monstruo en un icono de belleza y trata de borrar nuestros prejuicios hacia la sexualidad y los estereotipos. Para Witkin, el alma está presa en el cuerpo y la única manera de exteriorizarse es a través de los actos que dicta el pensamiento. El hombre es capaz de modificar la materia y de convertir algo finito en infinito, es la forma de perpetuarse que tiene el alma en el tiempo.

Fotografía compleja, cargada de símbolos

Dentro de este marco aparece la obra de Joel- Meter Witkin, una fotografía compleja, cargada de símbolos, de alegorías, con un tratamiento de la imagen y de la técnica muy laboriosa. La técnica que emplea para realizar sus obras parte siempre de un boceto, en el que escoge el tema, los objetos que va a utilizar y el decorado más adecuado. Su arte es un arte ritual, teatral, en el que usa máscaras, antifaces, telones, es una puesta en escena de unos personajes que él adapta a su idea mental preconcebida. Un vez revelada la foto, la modifica según conveniencia, interviene en ella, añadiendo y quitando cosas, y a través de preparados químicos altera el negativo para darle el aspecto final. Es un proceso laborioso que puede durar varios días.

Su fotografía está muy marcada por una concepción plástica muy pictórica, no sólo en la técnica, también en su constante alusión a grandes obras de la pintura, a grandes nombres como Velázquez, el Bosco, Picasso, y su búsqueda de una escenografía, de una composición elaborada , muy pensada, poco dada a la improvisación.

Constantes las referencias a la sexualidad

Los temas son tratados con gran barroquismo y hacen alusión a lo obsceno, lo grotesco, lo monstruoso, lo perverso. Son constantes las referencias a la sexualidad, a lo moralmente obsceno, o lo depravado, al mundo del fetichismo. Este gusto por lo mórbido, lo fúnebre lo repulsivo, alude al fin de la idea tradicional de belleza y su representación. Pone de manifiesto aquello que nos fascina de nuestros miedos, de nuestros prejuicios, de lo desconocido, de lo oculto, de lo misterioso, de lo fantástico, de lo monstruoso y lo deforme, que nos produce un sentimiento de belleza que trasciende y que puede ser considerado así porque el hombre está distanciado de esta realidad, es esa idea de lo sublime, tantas veces usada en el arte. Es una especie de placer estético que se encuentra en la contemplación de lo feo. A través del arte, lo perverso, lo degradante, la muerte, la mutilación, la muerte se convierte en algo bello esteticamente. La obra de Joel- Meter Witkin produce en el espectador muchas contradicciones, discursos enfrentados, estremece, fascina, conmueve, desagrada, repele, sorprende…

DIFERENCIA DE REVELADO DE BLANCO &NEGRO Y COLOR

DIFERENCIA DE REVELADO DE BLANCO &NEGRO Y COLOR

¿Y esta publicidad? Puedes eliminarla si quieres